روكوكو

ملخص روكوكو

قبل قرون من اختراع مصطلح “bling” للإشارة إلى العروض الفخمة للرفاهية ، غرس Rococo عالم الفن والتصميم الداخلي بالمثالية الأرستقراطية التي فضلت الزخرفة المتقنة والتفاصيل المعقدة. تم إنشاء اللوحات التي أصبحت توقيعًا للعصر احتفالًا بمُثُل روكوكو العظيمة وشهوة أسلوب الحياة الأرستقراطية ووسائل التسلية. تطورت الحركة ، التي تطورت في فرنسا في أوائل القرن الثامن عشر ، لتصبح زواجًا جديدًا فائقًا بين الفنون الزخرفية والفنون الجميلة ، والذي أصبح معجمًا مرئيًا تسلل إلى أوروبا القارية في القرن الثامن عشر.

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• كانت اللوحات النوعية طرقًا شائعة لتمثيل شهوة الحياة الجريئة والمبهجة في فترة الروكوكو. وشمل ذلك fete galante ، أو الأعمال التي تدل على التسلية في الهواء الطلق ، واللوحات المثيرة على قيد الحياة بشعور غريب الأطوار ، والمناظر الطبيعية الأركادية ، وصورة “المشاهير” ، والتي وضعت الناس العاديين في أدوار الشخصيات التاريخية أو الرمزية البارزة.
• حمل فن الروكوكو والهندسة المعمارية إحساسًا قويًا بالمسرح والدراما ، متأثرين بتصميم المسرح. يمكن رؤية تأثير المسرح من خلال الطرق المبتكرة التي تم بها نسج الرسم والأشياء الزخرفية في بيئات مختلفة ، مما أدى إلى خلق أجواء غامرة تمامًا.
• ازدهر العمل التفصيلي في فترة الروكوكو. النقوش الجصية كإطارات ، وأنماط غير متناظرة تتضمن الزخارف وأعمال التمرير ، وتفاصيل الأرابيسك النحت ، والتذهيب ، والباستيل ، و tromp l’oeil هي أكثر الطرق شهرة التي تم استخدامها لتحقيق تكامل سلس بين الفن والعمارة.
• استخدم المصطلح “روكوكو” لأول مرة من قبل جان موندون في كتابه Premier Livre de forme rocquaille et cartel (الكتاب الأول لشكل الروكوكو والإعدادات) (1736) ، مع الرسوم التوضيحية التي تصور الأسلوب المستخدم في الهندسة المعمارية والتصميم الداخلي. تم اشتقاق المصطلح من الكلمة الفرنسية rocaille ، والتي تعني “عمل الصدفة ، أعمال الحصى” ، المستخدمة لوصف نوافير عصر النهضة العالية أو كهوف الحدائق التي تستخدم الأصداف البحرية والحصى ، المضمنة في الجص ، لإحداث تأثير زخرفي متقن.

الفنانين الرئيسيين

• فرانسوا باوتشرنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جان أنطوان واتونظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جان أونوريه Fragonardنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جان بابتيست سيميون شارداننظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• تيبولونظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• كاناليتونظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• توماس جينسبورونظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• إليزابيث لويز فيجي لو بروننظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

الأعمال الفنية وفناني الروكوكو

تقدم الفن

1717

الصعود إلى Cythera

الفنان: جان أنطوان واتو

تصور هذه اللوحة عددًا من الأزواج الذين يرتدون ملابس أرستقراطية أنيقة داخل بيئة رعوية مثالية في Cythera ، الجزيرة الأسطورية حيث ولدت فينوس ، إلهة الحب ، من البحر. إن الإيماءات ولغة الجسد مثيرة للذكريات ، حيث يبدو أن الرجل الذي يقف أسفل المركز ، وذراعه حول وسط المرأة بجانبه ، يتوسل إليها بجدية ، بينما تستدير إلى الوراء لتنظر بحزن إلى الأزواج الآخرين. يرتفع تمثال للإلهة عاريًا من قاعدة مُزينة بالورود على اليمين ، كما لو كانت تترأس الاحتفالات. على اليسار ، صورت بشكل مضاعف في تمثال ذهبي يضعها في مقدمة القارب. تظهر العجينة العارية في جميع أنحاء المشهد ، وترتفع إلى السماء على اليسار ، أو تظهر بين الأزواج وتدفعهم إلى الأمام ، والطبيعة هي وجود ضعيف ولكن خصب. شاملة، اللوحة تحتفل برحلة الحب. كما كتب الناقد المعاصر Jeb Perl ، “عشاق Watteau المزدوجين ، المنغلقين في ترددهم اللذيذ المؤلم ، هم شعارات لإمكانية الحب التي تقترب باستمرار وتتراجع باستمرار.”

كما كتب الناقد الفني Holly Brubach ، “يتم تعليق صور Watteau تمامًا بين اللحظة السابقة واللحظة التي تليها … الأشخاص الذين يصورهم مشغولون بسن ليس واحدًا بل عدة سيناريوهات محتملة.” شخصياته ليست أفرادًا يمكن التعرف عليهم كثيرًا ، مثل الأنواع الأرستقراطية ، ذات الوجوه البودرة الناعمة ، والتي تخلق معًا نوعًا من تصميم الرقصات الملونة والمتعة.

مع هذا العمل ، قطعة استقبال واتو للأكاديمية ، كان رائدًا في fête galante ، أو لوحة التودد ، وأطلق حركة Rococo. كما كتب جوناثان جونز ، “في المناظر الطبيعية الضبابية الذائبة للوحات … يربط بشكل لا لبس فيه بين المناظر الطبيعية والرغبة: إذا نظر فن واتو إلى عشاق البلاط في العصور الوسطى ، فإنه يبدأ التاريخ الحديث للشهوانية في الفن الفرنسي.”

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

ج. 1718-1919

بييرو

الفنان: جان أنطوان واتو

تصور هذه اللوحة (المعروفة سابقًا باسم جيل) شخصية بييرو ، وهي شخصية تقليدية في كوميديا ​​ديلارتي الإيطالية.. لقد تم ترقيته في مركز الصدارة في ما يبدو أنه حديقة ويواجه المشاهد بتعبير مكتئب بينما يهيمن زي الساتان الأبيض الخاص به ، وأضاء الجزء الأوسط المتضخم. يبدو وكأنه شخصية مقطوعة ثنائية الأبعاد تقريبًا. يحيط به شخصيات أخرى في الأسهم ، لكن Pierrot يظل منفصلاً كما لو أنه خرج من المشهد. تؤكد المساحة السلبية الموجودة في الجزء العلوي الأيسر على عزلة Pierrot. كما كتب جوناثان جونز ، “يجعل واتو خيال الصورة واضحًا ،” كشخصية ، “في عدم ارتياحه وعزله ، لا يثور فقط ضد دوره الشخصي في الكوميديا ​​، ولكن دوره في هذه اللوحة. المسرحية هي أيضا خطوة للخروج من الخيال الذي رسمه واتو “.

كان Watteau رائدًا في التمثيل الفني للعوالم المسرحية ، وهو نوع روكوكو مميز ، كما أنه أعاد صياغة شخصية Pierrot من نوع من الأحمق المتلألئ إلى شخصية الشوق المنفردة. كما كتب جونز ، “تمثيل العوالم المسرحية الاجتماعية الهامشية ، بعد واتو ، أمر أساسي للفن الفرنسي الحديث ، من مغني المقاهي الانطباعيين إلى الراقصين والبغايا في تولوز لوتريك وبيكاسو هارليكوينز.” نظرًا لأن شخصية Pierrot أصبحت شخصية للفنان البديل ، فقد أثرت هذه اللوحة على عدد من الحركات الفنية والفنانين اللاحقين ، بما في ذلك Decadents ، والرموز ، والفنانين مثل André Derain ، كما رأينا في Harlequin and Pierrot (ج .1924 ). امتد التأثير أيضًا إلى ثقافة البوب ​​كما هو موضح في David Bowie ‘Pierrot in Turquoise (1967) حيث قال بوي ، “أنا Pierrot. أنا كل رجل. ما أفعله هو المسرح والمسرح فقط. ما تراه على المسرح ليس شريرًا. إنه مهرج خالص. أنا باستخدام نفسي كلوحة ومحاولة رسم حقيقة عصرنا “.

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

ج. 1730

مدخل القناة الكبرى

الفنان: Canaletto

يصور هذا المشهد الملحوظ مدخل القناة الكبرى في البندقية ، حيث يقوم عدد من عربات الجندول وركابهم بالمناورة أفقياً عبر اللوحة. يخلق وضعهم غير المتماثل حركة حيث تمتد ثلاث جندول لأعلى في الوسط وتجذب عين المشاهد إلى المسافة ، وهو ما يؤكده منظور المباني على اليمين والكنيسة على اليسار. يضفي الاستخدام اللطيف للألوان المحلية على القطعة إحساسًا ذهبيًا وإحساسًا بالحياة المثالية في تلك الأوقات ، والتي استلهمت من حب المدرسة الفينيسية للمناظر الطبيعية في أركاديان والتي أثرت بشكل كبير على جمالية الروكوكو.

كان كاناليتو رائدًا في الرسم من الطبيعة ونقل التأثيرات الجوية للحظة معينة ، مما دفع بعض العلماء إلى رؤية عمله على أنه توقع الانطباعية. كما كتب جوناثان جونز ، “الإحساس الرقيق للعب الضوء على الهندسة المعمارية … يجعل كاناليتو خادعًا للغاية.” في الوقت نفسه ، أثر استخدامه المبتكر للطوبوغرافيا ، مما جعل مكانًا بدقة علمية ، على الفنانين اللاحقين ، كما أشار مؤرخ الفن جون راسل ، “لقد استولى على مدينته الأصلية كما لو لم تكن أي تفاصيل عن حياتها المزدحمة صغيرة جدًا أو تافهة للغاية ليستحق اهتمامه “.

كانت البندقية محطة شهيرة للأرستقراطيين البريطانيين في الجولة الكبرى ، وتم بيع معظم أعمال كاناليتو لهذا الجمهور. شجعه تاجر الأعمال الفنية البريطاني أوين سويني على رسم مناظر طوبوغرافية صغيرة ، وحتى بحجم البطاقة البريدية لبيعها للسياح ، وأصبح المصرفي وجامع الأعمال الفنية ، جوزيف سميث ، راعيًا معروفًا ، حيث باع عددًا كبيرًا من أعماله للملك جورج الثالث . في عام 1746 ، انتقل كاناليتو إلى لندن حيث رسم مشاهد من لندن ، مثل جسر وستمنستر (1746). منذ أن احتفظت أعماله بشعبيتها وتأثيرها: ظهرت في فيلم David Bickerstaff Canaletto وفن البندقية (2017) ، واستخدمت هذه اللوحة في لعبة الفيديو Merchant Prince II (2001).

زيت على قماش – متحف الفنون الجميلة ، هيوستن ، تكساس

1733-34

فقاعات الصابون

الفنان: جان بابتيست سيميون شاردان

هذه اللوحة تصور طفلين يلعبان. صبي كبير يميل إلى الأمام ، ينفخ من خلال قصبة ، مما يؤدي إلى توسيع فقاعة صابون مضيئة. طفل أصغر في الظل ، يرتدي قبعة ذات عمود ، يحدق من فوق الحافة ، وتركز نظراته أيضًا على الفقاعة المتلألئة. تبرز لوحة الألوان ، المكتومة بظلال مختلفة من البني الغني والأسود ، الضوء المتباين والتوهج الأحمر في يدي الصبي ووجهه ، بحيث يدرك المشاهد أيضًا الاستيعاب الخافت في مسرحية الطفولة. الطلاء المطبق بغطاء سميك ينقل القوام الملموس للحجر والنسيج والجلد. يخلق العمل شعورًا ببراءة الطفولة التي تركز على فرحة سريعة الزوال ، مع كونها تلميحًا أيضًا ، حيث كان معاصرو الفنان قد سجلوا فقاعة الصابون كرمز لعابر الحياة.

تأثر رسامي النوع الواقعي من العصر الذهبي الهولندي بتأثيره من قبل رسامي النوع الواقعي لشاردين ، حيث كانت مساهمته الفريدة في فترة الروكوكو. على عكس معظم الفنانين الذين ركزوا على الطبقة الأرستقراطية ووسائل الترفيه الخاصة بها ، فقد صور مشاهد محلية ، وأطفال يلعبون ، وما زالوا يعيشون ، وكل ذلك يعكس إجلال روكوكو للتسلية الممتعة. كما كتب جونز أيضًا ، رسم شاردان “عالم ملذات الطبقة الوسطى” و “الجمالية الفرنسية للحياة اليومية … تظهر لأول مرة في لوحات شاردان وجعلته شخصية عبادة للفنانين والكتاب الفرنسيين المعاصرين”. أثر عمله على غوستاف كوربيه ، وبول سيزان ، وإدوارد مانيه ، وفنسنت فان جوخ ، من بين آخرين.

زيت على قماش – متحف المتروبوليتان للفنون ، نيويورك

1751

لا تواليت دي فينوس (مرحاض فينوس)

الفنان: فرانسوا باوتشر

تُصوِّر هذه الصورة مدام دي بومبادور عارية على هيئة فينوس ، إلهة الحب الكلاسيكية ، يحضرها ثلاثة كروب وحمائمتان أبيضتان. تجلس على أريكة استرخاء ، وظهرها مؤطر بركاب ذهبي يعلوه تمثال كروب مستلق.

ستائر زرقاء مضيئة مع ضوء وظل ، مفتوحة على منظر جزئي لحديقة جميلة ، تأطير المشهد بجو من الترفيه. العلاج المجازي مثالي ، مصقول بالهواء تقريبًا ، في حين أن الإعداد مفصل بشكل مزخرف وزخرفي ، مما يخلق تأثيرًا شاملاً يجسد مفهوم الرفاهية نفسها.

غير باوتشر حقبة الروكوكو بتصويره الحسي للمواطنين البارزين في تلك الحقبة ، والمشاهير الاجتماعيين ، والعصور الماضية ، وخلق علامته التجارية التصويرية المميزة. كلفت السيدة دي بومبادور باوتشر برسم هذا العمل في غرفة ملابسها الخاصة في شاتو دي بلفيو ، بصفتها “من في ذلك الوقت”. كانت اللوحة بمثابة تكريم لها ، حيث لعبت دور فينوس في La Toilette de Venus (1750) في فرساي.

كما كتبت مؤرخة الفن ميليسا لي هايد ، غالبًا ما أشارت صور باوتشر إلى “خلط مثير للاهتمام بين الهويات المسرحية / المسرحية والهويات الحية” ، مما يُظهر “شغفًا بما يمكن أن نسميه فن المظهر وفهم هذا الفن كوسيلة تشكيل وتمثيل الهوية “.

في غضون بضعة عقود ، رفضت النيوكلاسيكية عمل باوتشر لنفس الصفات التي جعلتها تحظى بشعبية كبيرة بين الطبقة الأرستقراطية. بدأ مؤخرًا فقط إعادة تقييم أعماله من قبل مؤرخي الفن مثل ميليسا لي هايد وجيد بيرل ، وقد استشهد الفنانون المعاصرون جون كورين وليزا يوسكافاج باوتشر باعتباره تأثيرًا مباشرًا.

زيت على قماش – متحف المتروبوليتان للفنون ، نيويورك

1756

صورة مدام دي بومبادور

الفنان: فرانسوا باوتشر

تؤكد هذه الصورة الكاملة لمدام دي بومبادور على الأناقة الأنيقة ، وهي تتكئ في فستان حريري أخضر وفير مع نمط من الورود الوردية على صدها وخط العنق. يتألق التصميم الداخلي للغرفة ، المحاط بستائر من الديباج الذهبي مع ساعة كارتل ذهبية متقنة معروضة فوق المدفأة. التفاصيل رمزية أيضًا ، حيث أن خزانة الكتب المليئة بالكتب والكتب مبعثرة على الأرض والساعة المصممة على شكل قيثارة ومزينة بالغار ، ترمز إلى حب الأدب والموسيقى والشعر. إنها تنقل جواً من الثقة والاسترخاء اللطيف ، وكعبها العالي الوردي يطل من أسفل تنورتها ، ورودتين جميلتين ملقاة عند قدميها. ومع ذلك ، يصور العمل أيضًا تأثيرها الفكري ، وكتابًا مفتوحًا في يدها اليسرى ، وريشة كتابة ومظروف على الطاولة إلى اليمين. كان تحويل نظرتها إلى اليسار ، في ذلك الوقت ، وضعية تمثل الانخراط في الفكر الفلسفي. ونتيجة لذلك ، يعد العمل نوعًا من الأيقونات الاجتماعية ، كل عنصر ، تم اختياره بعناية وموحدًا من حيث الأسلوب لخلق صورة مثالية.

وصفتها الناقدة الفنية سوزي مينكس بأنها “واحدة من أوائل وأنجح صانعي الصورة الذاتية” ، قامت مدام دي بومبادور بتكليف هذه اللوحة مع آخرين من قبل باوتشر ، وطلبت رؤيتهم أثناء تقدمهم ، حتى تتمكن من ذلك. مباشرة كيف أرادت أن تظهر. كما أشار مينكيس ، كانت “اللوحات الجذابة والزخرفية” التي رسمها باوتشر مثالًا فنيًا مبكرًا على “معاملة المشاهير في الصحف الشعبية”. في عام 1756 تم تعيين بومبادور سيدة منتظرة في المحكمة ، وتشير مؤرخة الفن إليز غودمان إلى أن اللحظة الموضحة هنا ، والتي لوحظت في الساعة 8:20 على مدار الساعة ، كانت تهدف إلى إحياء ذكرى “ارتفاعها ، عندما ، في ذروة من الثقة بالنفس الأرستقراطية … انسحبت إلى مخدع مكتبتها لترتقي بمنصبها الجديد وتستمتع بالأنشطة التي أحبتها “.

تميزت صور باوتشر لمدام بومبادور حركة الروكوكو لدرجة أن الكتابين جول وإدموند دي غونكور كانا يكتبان ، “في رسالة عن طعم الفرنسيين ، وهي جزء من مجموعة مخطوطة زائلة تعود إلى عام 1751 … وجدت عربات لا بومبادور ، قماش في كوليور بومبادور ، خردة لا بومبادور … لا توجد خردة واحدة تتعلق بمرحاض امرأة ليست من طراز لا بومبادور “.

زيت على قماش – Alte Pinakothek ، ميونيخ ، ألمانيا

1767 – 68

الأرجوحة

الفنان: جان أونوريه Fragonard

يصور هذا العمل الأيقوني امرأة خيالية تطير على أرجوحة في حديقة خضراء ، فستانها يزهر مثل زهرة وردية باهظة ، بينما يسقط الشاب الغاضب مرة أخرى في الأدغال على اليسار ، ويحمر وجهه بإثارة للبحث عن تنورتها. في الظل على اليمين ، يسحب رجل كبير السن حبال الأرجوحة لدفع الشابة إلى الأمام. يوجد تحتها كروبان محتضنان ، وعلى اليسار يقف كيوبيد آخر على قاعدة ممسكة بيده حتى شفتيه تحذيرًا. كانت الصورة فاضحة في وقتها بسبب التلميحات الجنسية الكثيفة الطبقات.

تخلق ضربات فرشاة Fragonard المعبرة تدفقًا دائريًا بين الشكل وأوراق الشجر ، بحيث تبدو الطبيعة نفسها محاصرة في إثارة اللحظة. في الوقت نفسه ، استخدم الفنان الضوء والظل لتوجيه عين المشاهد نحو اكتشاف العمل على مراحل. يلاحظ المشاهد أولاً المرأة على الأرجوحة ، ثم الشاب ، وأخيراً الرجل الأكبر سناً في الظل على اليمين. التأثير هو نوع من إضاءة المسرح ، مما يخلق الدراما والسرد.

أعاد الكتابان إدموند وجول دو غونكور اكتشاف عمل فراجونارد في فن القرن الثامن عشر (1865) ، وأثرت أعماله لاحقًا على الانطباعيين ، ولا سيما بيير أوغست رينوار وبيرث موريسو ، الذي كان أيضًا صاحب عمله. حفيدة. الأرجوحةأصبح رمزًا فنيًا وثقافيًا. تمت إعادة النظر فيه من قبل الفنانين المعاصرين Yinka Shonibare و Kent Monkman في عملهم الخاص. أشار إليها فنان البالون لاري موس في تركيبه ثلاثي الأبعاد لـ The Swing لسلسلة Masterworks في مركز فيلبس للفنون في عام 2013.

زيت على قماش – مجموعة والاس ، لندن

1752

رمزية الكواكب والقارات

الفنان: Tiepolo

يتم تقديم هذا الرسم الاحتفالي الرائع لمسار الشمس عبر السماء في روعة أوبرالية من الأرابيسك الملتف والألوان والضوء. على يسار الوسط ، يقف إله الشمس اليوناني أبولو مع الجرم السماوي المشع خلفه ، يدعو خيول الشمس على يمينه. على الكورنيش ، مجموعات من الشخصيات المجازية مع حيوانات تمثيلية تشير إلى أوروبا وآسيا وأمريكا وإفريقيا ، بينما الآلهة ، التي ترمز إلى الكواكب ، تدور حول إله الشمس. المريخ ، إله الحرب ، يتكئ مع فينوس عارية ، على سحابة مظلمة تحت أبولو ، بينما يطير عطارد مع صولجانه من أعلى اليسار.

صُنعت هذه اللوحة لسقف سلم مبهر صنعه في Würzburg Residenz في ألمانيا للأمير الأسقف كارل فيليب فون جريفينكلاو. رسمت على قبو ضخم ، تيبولوخلقت معالجة trompe l’oeil انطباعًا دراماتيكيًا على عكس الدرج الرخامي الكلاسيكي الجديد المصمم من قبل Balthasar Neumann. تتضمن لوحة تيبولو لقسم أوروبا صورة للمهندس المعماري وكذلك لفون جريفينكلاو. بالإضافة إلى ذلك ، صور الفنان ابنه جياندومينيكو والفنان أنطونيو بوسي ، وكلاهما عمل معه في المشروع ، وصورة ذاتية.

تظل هذه اللوحة الجدارية هي الأكبر في العالم ، وتتكون بحيث يمكن رؤية أقسام اللوحة الفردية من مكان توقف معين ، كما لو تم تعديل المنظور وفقًا لموضع العارض. كان ابتكار Tiepolo هو ترتيب ألوان الباستيل في مخطط تكميلي ، بحيث يؤكد التوتر في اللون على الحركة السردية والأوضاع الدرامية للأشكال لخلق تأثير حيوي. كانت النتيجة تسمى sprezzatura، أو “إهمال مدروس”. كما كتب مؤرخ الفن كيث كريستيانسن ، “يحتفل تيبولو بالخيال من خلال تحويل عالم التاريخ القديم والأساطير ، والكتب المقدسة ، والأساطير المقدسة إلى لغة فخمة ، وحتى مسرحية.” كانت هذه النوعية من خيال Tiepolo هي التي أثرت على فرانسيسكو غويا طوال حياته المهنية ، سواء في تصاميمه النسيجية المبكرة ثم في وقت لاحق في رسوماته حيث اعتمد على مطبوعات Tiepolo الغامضة والغريبة في بعض الأحيان في Capricci (حوالي 1740-1742) و Scherzi di الفنتازيا (1743-1757).

زيت على قماش

ج. 1770

الصبي الأزرق

الفنان: Thomas Gainsborough

تُصوِّر هذه الصورة بالحجم الكامل صبيًا يرتدي سروالًا أزرقًا من الساتان في الركبة وثوبًا بياقة دانتيل وهو يحدق في المشاهد دون أن يبتسم. يحمل قبعة ريشية في يده اليمنى ويده الأخرى مرفوعة على وركه ، وهو ينقل الثقة بالنفس ولمسة من التباهي. يتألف اللون الأزرق من طبقات من ضربات الفرشاة المقطوعة والناعمة مع صبغات دقيقة من الإردواز والفيروز والكوبالت والنيلي واللازورد ، يصبح اللون الأزرق متألقًا ، ويكاد يكون كهربائيًا في مواجهة المناظر الطبيعية العاصفة والصخرية.

في الأصل ، كان يُعتقد أن اللوحة تصور جوناثان باتال ، ابن تاجر ثري ، لكن المنح الدراسية المعاصرة حددت أن النموذج هو على الأرجح مساعد الفنان وابن أخيه غينزبورو دوبونت. وكما كتب الناقد الفني كيمبرلي كريسمان-كامبل ، فإن العمل “هو نوع من تأثيري الحرب الأهلية الإنجليزية الذي اشتهر بالكرات التنكرية في القرن الثامن عشر” ، يصور الصبي في زي الفارس ، الذي كان يرتديه الملكيون الأرستقراطيون في ثلاثينيات القرن السادس عشر. يلعب موقفه وتعبيرات وجهه دورًا أيضًا ، لأن الفرسان لم يتم تحديدهم من خلال ملابسهم الأنيقة فحسب ، بل أيضًا من خلال موقفهم اللامبالي والمتعجرف. وبالتالي ، فإن العمل ، الأكثر شهرة في Gainsborough ، هو عمل قوي، الذي يجمع بين فن البورتريه البارع ودراسة الأزياء ورده الفني على أعمال أنتوني فان ديك ، المشهور بصورته لبلاط الملك تشارلز الأول والفرسان الذين ساندوه. ومع ذلك ، من خلال استخدام اللون الأزرق بشكل أساسي ، والذي يُعتقد تقليديًا أنه أكثر ملاءمة لعناصر الخلفية ، تحدى Gainsborough أيضًا الافتراضات الجمالية التقليدية.

يحمل العمل جاذبية Rococo المرئية التقليدية ويلعب مع شخصيات يرتدون ملابس ، لكن Gainsborough أضاف أيضًا عناصر مبتكرة من الواقعية ، كما يتضح من الأزرار التي تربط الزوجي بإحكام معًا ، ورسمت الرومانسية مسبقًا من خلال تصوير شخصية فردية تم تحديدها مقابل سماء مضطربة. جاء Gainsborough ليمثل الروكوكو البريطانية مع صور المجتمع لعملائه الأثرياء.

نجحت اللوحة على الفور في ظهورها لأول مرة عام 1770 في الأكاديمية الملكية للفنون في لندن وأصبحت مرتبطة بالهوية الثقافية البريطانية لدرجة أنه عندما باعها دوق وستمنستر في عام 1921 إلى رجل الأعمال الأمريكي هنري هنتنغتون ، تسببت في فضيحة. فيلم فريدريش فيلهلم مورناو الصامت Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) مستوحى من اللوحة ، كما كانت أغنية كول بورتر Blue Boy Blues (1922). استلهم العمل فنان البوب ​​روبرت راوشنبرغ والفنان المعاصر كيهينده وايلي ، وأشار الفنان أليكس إسرائيل إلى ذلك في صورته الذاتية (دودجرز) (2014-2015). تظهر في متحف هنتنغتون ، مقترنة بصورة توماس لورانس لفتاة ترتدي الوردي ، بينكي(1794) ، اتخذ العمل مزيدًا من الأهمية الثقافية ، حيث تم استخدام كلتا اللوحتين في الطيار التلفزيوني لـ Eerie ، إنديانا (1991) وكزخارف ثابتة على حلقات اتركها إلى بيفر (1957-1963).

زيت على قماش – مكتبة هنتنغتون ، سان مارينو ، كاليفورنيا

1782

بورتريه ذاتي مع قبعة من القش

الفنان: إليزابيث لويز فيجي لو برون

تؤكد هذه الصورة الذاتية على الأناقة الأرستقراطية ولكن غير الرسمية والبراعة الفنية. مرتدية ملابسها الحريرية المتلألئة ، أصفادها البيضاء تلفت الانتباه إلى يدها اليمنى الممدودة ، طوقها الأبيض الذي يؤكد القص الجريء لخط العنق ، تحمل لوحة وفرشاة في يدها اليسرى. تصبح قبعة القش العريضة الحواف ، والمحاطة بأزهار نابضة بالحياة ورياضية ، نقطة محورية في تركيز العمل على مسرحية الضوء ، حيث يتم تظليل الجزء العلوي من وجهها بهدوء ، مما يبرز نظرتها المباشرة الواثقة ، بينما يضيء ضوء الشمس الجانب الأيمن جانب وجهها وجذعها العلوي. يلعب اثنان من الأقراط الكريستالية الطويلة نقطة التباين ، وتردد صدى الضوء والظل. الخلفية عبارة عن سماء فقط ، ويؤطر لونها الأزرق البيضة لوجهها ، والتأثير الكلي كما كتب المؤرخ الفني سيمون شاما ، “

تأثر هذا العمل بقلم بيتر بول روبنز Le Chapeau de Paille ( قبعة القش ) (1622-1625). كتب لو برون بعد رؤيته في أنتويرب ، “لقد أسعدني وألهمني لدرجة أنني قمت بعمل صورة لنفسي في بروكسل ، وأنا أسعى جاهدًا للحصول على نفس التأثيرات.”

اقتصرت الفنانات على فن البورتريه في الغالب. ومن بين فناني الروكوكو المشهورات روزالبا كاريرا ، أديلايد لابيل غيارد ، وأنجيليكا كوفمان. كان أشهرها فيجي لو برون ، الذي أصبح ، في سن الثالثة والعشرين ، الرسام الرسمي للملكة ماري أنطوانيت. كانت ابتكارات لو برون في فن البورتريه ، كما كتب ساما ، “[لا] واحد ، أصبح واضحًا بسرعة … يمكن أن تنافس هذه المرأة الشابة كفنانة غير فنية” ، و “إنجازها العظيم هو إعادة تشكيل النساء ، منذ زمن بعيد” أسير القيلولة الذكور ، في عشيقة وجودهم التي لا لبس فيها “.

زيت على قماش – المتحف الوطني ، لندن

بدايات الروكوكو

في الرسم ، تأثر Rococo بشكل أساسي باستخدام مدرسة البندقية للألوان والمواضيع المثيرة والمناظر الطبيعية الأركادية ، بينما كانت مدرسة Fontainebleau أساسًا لتصميم Rococo الداخلي.

مدرسة البندقية

أثر الرسامان المشهوران جيورجيون وتيتيان ، من بين آخرين ، على تركيز فترة الروكوكو على اللون الملتف والموضوع المثيرة. حفلة رعوية (حوالي 1509) ، نُسبت لأول مرة إلى جيورجيون ، على الرغم من أن معظم العلماء يُنسبون إليها الآن كأحد أعمال تيتيان المبكرة ، تم تصنيفها على أنها بطل Fête ، أو حفلة في الهواء الطلق ، من قبل متحف اللوفر عندما أصبح جزءًا من مجموعة المتحف. إن عمل عصر النهضة الذي يصور امرأتين عاريتين ورجلين أرستقراطيين يعزفان الموسيقى في مشهد رعوي مثالي سيؤثر بشكل كبير على تطور Fête galante في روكوكو، أو لوحات التودد. يشير المصطلح إلى اللوحات التاريخية للعصور الماضية الممتعة وأصبح شائعًا في أعمال جان أنطوان واتو.

مدرسة فونتينبلو 1528-1630

في عام 1530 ، دعا الملك فرانسيس الأول ، أحد رعاة الفن المشهورين ، الفنان الإيطالي روسو فلورنتينو إلى البلاط الفرنسي ، حيث أسس روسو مدرسة فونتينبلو ، كرائد في أسلوب البلاط الملكي الفرنسي. اشتهرت المدرسة بأسلوبها الفريد في التصميم الداخلي حيث خلقت جميع العناصر وحدة منسقة للغاية. كان روسو رائداً في استخدام النقوش الجصية الكبيرة كإطارات ، مزينة بزخارف زخرفية ومذهبة من شأنها أن تؤثر بشكل كبير على تركيز روكوكو على الإعدادات المعقدة.

كان التذهيب مساهمة رئيسية لـ Fontainebleau ، حيث وفر روعة رائعة للأشياء كما رأينا في Salt Cellar الشهير في Benevento Cellini (1543) ، والذي كلفه فرانسيس الأول بالذهب. حتى العناصر البسيطة للديكورات الداخلية Rococo أصبحت بارزة للغاية كما يتضح من شعبية ساعات الكارتل ، حيث تضمنت ساعات منتظمة في إعدادات معقدة تشبه قطع النحت ، والتي تكمل بسلاسة المظهر العام والشعور بالديكورات الداخلية المحيطة بها.

عصر تصميم الروكوكو

ظهر روكوكو لأول مرة في التصميم الداخلي عندما عمل النحات بيير لو بوتر مع المهندس المعماري جول هاردوين مانسارت في شاتو دو مارلي (1679-1684) ، ولاحقًا في فرساي عام 1701 عندما أعاد تصميم شقق لويس الرابع عشر الخاصة. كان Le Pautre رائدًا في استخدام الأرابيسك ، حيث استخدم خطًا على شكل حرف S أو شكل C ، موضوعًا على الجدران والأسقف البيضاء. كما استخدم الألواح الداخلية ذات الأعمال الخشبية المذهبة ، مما خلق أسلوبًا غريب الأطوار وأخف وزناً. كان Le Pautre يُعرف في المقام الأول باسم ornemaniste ، أو مصمم الزخرفة ، مما يعكس الدور الشعبي في ذلك الوقت للحرفيين والحرفيين في تطوير أسلوب الزخرفة للغاية.

ازالة الاعلانات

في عهد لويس الرابع عشر ، أصبحت فرنسا القوة الأوروبية المهيمنة ، وأدى الجمع بين الثروة العظيمة والاستقرار السلمي إلى تحويل انتباه الفرنسيين إلى الشؤون الشخصية والتمتع بالملذات الدنيوية. عندما توفي الملك في عام 1715 ، كان وريثه لويس الخامس عشر يبلغ من العمر خمس سنوات فقط ، لذلك حكم ريجنسي ، بقيادة دوك أورليان ، فرنسا حتى بلغ دوفين سن الرشد. اشتهر الدوق بأسلوب حياته اللذيذ ، وبدا أن جماليات روكوكو هي التعبير المثالي عن حساسية العصر. تولى لويس الخامس عشر العرش في عام 1723 ، وأصبح أيضًا مؤيدًا بارزًا وراعيًا للعمارة والتصميم الروكوكو. نظرًا لأن فرنسا كانت المركز الفني لأوروبا ، سرعان ما حذت المحاكم الفنية في الدول الأوروبية الأخرى حذوها في حماسها للزينة المماثلة.

جان أنطوان واتو

قاد جان أنطوان واتو فترة الروكوكو في الرسم. وُلِد في فالنسيان ، وهي قرية إقليمية صغيرة في بلجيكا انضمت مؤخرًا إلى الفرنسيين ، وأدت سرعته في الفن والرسم إلى تدريبه المهني المبكر مع رسام محلي. بعد ذلك ذهب إلى باريس حيث كان يكسب رزقه من إنتاج نسخ من أعمال تيتيان وباولو فيرونيز . انضم إلى استوديو كلود أودران ، الذي كان مصمم ديكور مشهور ، حيث التقى وأصبح زميلًا فنيًا لكلود جيلوت ، المعروف بزخرفته كوميديا ​​ديلارتي ، أو الإنتاج المسرحي الهزلي. نتيجة لذلك ، غالبًا ما عبّر عمل واتو عن نهج مسرحي ، حيث أظهر شخصيات في زي وسط مشهد الخلفية ، مضاءة بالضوء الاصطناعي.

في عام 1712 ، دخل واتو في مسابقة Prix de Rome في Académie Royale de Peinture et de Sculpture ، واعترفته الأكاديمية كعضو كامل. أطلقت “مقالته الاستقبالية” للأكاديمية ، Embarkation for Cythera (1717) ، حركة الروكوكو بشكل فعال. صاغت الأكاديمية مصطلح Fête galante ، أو حزب الخطوبة ، للإشارة إلى العمل ، وبالتالي إنشاء الفئة التي كان من المفترض أن تكون عنصرًا مهيمنًا في لوحة الروكوكو. صورت لوحات Fête galante بطل fête، أو حفلة الحديقة ، التي تحظى بشعبية بين الطبقة الأرستقراطية ، حيث يرتدون ملابس كما لو كانوا يرتدون كرة أو يرتدون الأزياء ، ويخمرون ويتناولون الطعام ويشاركون في أنشطة غرامية داخل حدائق ومتنزهات أركاديان. لم يستقطب الموضوع الفني المستفيدين من القطاع الخاص فحسب ، بل استوفت مناظره الطبيعية وإعداداته الأسطورية معايير الأكاديمية التي صنفت الرسم التاريخي ، بما في ذلك الموضوعات الأسطورية ، كأعلى فئة.

كان كلود أودرين هو الحارس الرسمي لقصر لوكسمبورغ ، وأثناء عمله معه ، قام واتو بنسخ سلسلة بيتر بول روبن المكونة من أربعة وعشرين لوحة من حياة ماري دي ميديشي (1622-25) ، والتي عُرضت في القصر. استمرت سلسلة روبن ، التي تجمع بين الشخصيات المجازية والموضوعات الأسطورية مع صور الملكة والمحكمة الأرستقراطية ، في إعلام عمل واتو. كان روبنز رائدًا في تقنية أقلام التلوين الثلاثية ، أي ثلاثة طباشير ، وهي تقنية تستخدم الأحمر والأسود والأبيض لإنشاء تأثيرات ملونة. أتقن واتو هذه التقنية إلى درجة أن اسمه أصبح مرتبطًا بها ، واعتمدها على نطاق واسع فنانو الروكوكو اللاحقون ، بما في ذلك فرانسوا باوتشر .

فرانسوا باوتشر

أصبح فرانسوا باوتشر ، الذي تأثر به روبنز وواتو ، أشهر فنان في عصر الروكوكو الناضج ، بدءًا من عام 1730 واستمر حتى ستينيات القرن التاسع عشر. لاحظ لوحته التي جمعت بين الأناقة الأرستقراطية والعلاجات المثيرة للعراة ، كما رأينا في كتابه The Toilet of Venus(1751) ، كان له نفس التأثير في الفنون الزخرفية والإعدادات المسرحية وتصميم المنسوجات. تم تعيينه رسامًا أول للملك في عام 1765 ، لكنه اشتهر بارتباطه الطويل مع مدام دي بومبادور ، العشيقة الرسمية الأولى للملك لويس الخامس عشر وراعي الفنون المعروف. نتيجة لإتقانه لفن الروكوكو وتصميمه ورعايته الملكية ، أصبح باوتشر “واحدًا من هؤلاء الرجال الذين يمثلون ذوق القرن ، والذين يعبرون عنه ويجسدونه ويجسدونه” ، كما كتب المؤلفان المشهوران إدموند وجول دي غونكور .

ازالة الاعلانات

مدام دي بومبادور

أُطلق على مدام دي بومبادور ، المولودة في جين أنطوانيت بواسون ، لقب “عرابة الروكوكو” بسبب مركزيتها في الترويج للأسلوب وتأسيس باريس كعاصمة فنية لأوروبا. لقد أثرت في تطبيقات أخرى للروكوكو بسبب رعايتها لفنانين مثل جان مارك ناتير ، والنحات جان بابتيست بيغال ، ومصمم ورق الجدران جان بابتيست ريفيلون ، ونقاش الأحجار الكريمة جاك غواي. عشيقة الملك الرسمية الأولى من 1745-1751 ، ظلت مستشاره المقرب والموثوق به حتى وفاتها عن عمر يناهز 42 عامًا بسبب مرض السل. أصبح دورها ومكانتها التعريف الفعلي للرعاية الملكية.

روكوكو: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

الروكوكو الفرنسية

كانت فرنسا مركز تطور الروكوكو. في التصميم ، كان الصالون ، وهو غرفة للترفيه ولكن أيضًا لإبهار الضيوف ، ابتكارًا رئيسيًا. وأشهر مثال على ذلك كان تشارلز جوزيف ناتوار ولا صالون دي لا برينسيس جيرمان بوفران (1735-1740) في مقر إقامة الأمير والأميرة دي سوبيز. خلقت الجدران البيضاء الداخلية الأسطوانية والخشب المذهب والعديد من المرايا تأثيرًا خفيفًا وجيد التهوية. تم تقديم زخارف الأرابيسك ، التي غالبًا ما تشير إلى الزخارف الرومانية ، والكيوبيد ، والأكاليل ، في الجص الذهبي والألواح البارزة. كانت المنحنيات غير المتكافئة ، المشتقة أحيانًا من الأشكال العضوية ، مثل الصدف أو سعف الأقنثة ، معقدة ومبالغ فيها. سيصبح الحد الأدنى من التركيز على الهندسة المعمارية والتركيز الأقصى على الديكور حجر الزاوية في حركة الروكوكو.

كانت اللوحة جزءًا أساسيًا من حركة Rococo في فرنسا ، وقد أثر الرسامون المشهورون الذين قادوا الأسلوب ، أنطوان واتو يليه فرانسوا باوتشر ، على جميع عناصر التصميم من الديكورات الداخلية إلى المفروشات إلى الموضة. ومن بين الفنانين المشهورين الآخرين جان بابتيست فان لو ، وجان مارك ناتير ، وفرانسوا ليموين. تمت الإشارة إلى Lemoyne بلوحاته الاستعارية التاريخية كما رأينا في تأليه هرقل (1733-1736) المرسومة على سقف صالون هرقل في فرساي. كانت إحدى السمات البارزة في لوحة Rococo الفرنسية هي الطريقة التي حافظ بها عدد من عائلات الفنانين المشهورين ، مثل van Loos و Coypels ، على أسلوب وموضوع متسقين في ورش العمل الخاصة بهم.

روكوكو ايطالي

أخذت اللوحة زمام المبادرة في الروكوكو الإيطالية ، وتجسدت في أعمال الفنان الفينيسي تيبولو . من خلال الجمع بين تركيز مدرسة البندقية على اللون مع لوحات السقف ، كانت أعمال Tiepolo الرائعة عبارة عن لوحات جدارية وألواح مذبح كبيرة. اشتهر في جميع أنحاء أوروبا ، وحصل على العديد من اللجان الملكية ، مثل سلسلة لوحاته على السقف في Wurzburg Residenz في ألمانيا ، وتمجيده للملكية الإسبانية (1762-1766) في القصر الملكي في مدريد.

اشتهر الروكوكو الإيطالي أيضًا بفناني المناظر الطبيعية العظماء المعروفين باسم “رسامي المناظر” ، ولا سيما قناة جيوفاني أنطونيو ، المعروفة باسم كاناليتو . كان رائدا في استخدام منظور خطي من نقطتين أثناء إنشاء مشاهد شعبية للقنوات ومهرجان البندقية. أعماله ، مثل فينيسيا: سانتا ماريا ديلا سالوت(ج. 1740) ، كانت مطلوبة بشدة مع الأرستقراطيين الإنجليز. في القرن الثامن عشر ، أصبح من المعتاد أن يذهب الأرستقراطيين الإنجليز الشباب في “جولة كبرى” ، ويزورون المواقع المشهورة في أوروبا من أجل التعرف على الجذور الكلاسيكية للثقافة الغربية. أطلقت الرحلات نوعًا من السياحة الأرستقراطية ، وكانت البندقية محطة شهيرة تشتهر بجوها الكرنفالي اللطيف ومناظرها الخلابة. كان هؤلاء الأرستقراطيين الشباب في كثير من الأحيان جامعين للفن ورعاة ، وتم بيع معظم أعمال كاناليتو لجمهور إنجليزي ، وفي عام 1746 انتقل إلى إنجلترا ليكون أقرب إلى سوقه الفني وعاش هناك لما يقرب من عقد من الزمان.

كانت لوحات روزالبا كاريرا الباستيل ، المصغرة والحجم الكامل ، بالإضافة إلى أعمالها الرمزية مطلوبة في جميع أنحاء أوروبا ، حيث تمت دعوتها إلى المحاكم الملكية في فرنسا والنمسا وبولندا. كانت رائدة في استخدام الباستيل ، التي كانت تستخدم سابقًا فقط للرسومات التحضيرية ، كوسيط للرسم ، ومن خلال ربط الطباشير بالعصي ، طورت مجموعة واسعة من السكتات الدماغية والألوان المعدة. رسخت بورتريه لويس الخامس عشر في دور دوفين (1720-1721) النمط الجديد لصور الروكوكو ، مع التركيز على الجاذبية البصرية والتأثير الزخرفي.

في الهندسة المعمارية ، واصلت إيطاليا التأكيد على الباروك بصلاته القوية بالكنيسة الكاثوليكية حتى عشرينيات القرن الثامن عشر عندما بنى المهندس المعماري فيليبو جوفارا العديد من قصور شمال إيطاليا على طراز الروكوكو. كان من روائعه قصر Stupinigi (1729-1731) ، الذي بني كنزل صيد لملك سردينيا في تورين. في الوقت نفسه ، أصبحت التصميمات الداخلية Rococo شائعة في جنوة وسردينيا وصقلية والبندقية حيث اتخذ الأسلوب اختلافات إقليمية خاصة في تصميم الأثاث. اشتهرت التصميمات الداخلية الإيطالية Rococo بشكل خاص بالثريات والمرايا الزجاجية الفينيسية واستخدامها الغني للحرير والمفروشات المخملية.

روكوكو الألمانية

عبّر حماس ألمانيا عن الروكوكو عن نفسه بشكل كبير وبشكل أساسي في الروائع المعمارية والتصميم الداخلي ، فضلاً عن الفنون التطبيقية. كان أحد العناصر البارزة في الروكوكو الألمانية هو استخدام ألوان الباستيل النابضة بالحياة مثل الليلك والليمون والوردي والأزرق كما رأينا في تصميم فرانسوا دي كوفيليس لأمالينبورغ (1734-1739) ، وهو نزل للصيد للإمبراطور الروماني المقدس تشارلز السابع في ميونيخ. وصف مؤرخ الفن هيو هونور قاعة المرايا الخاصة به في Amalienburg بأنها تجسد “الأناقة السهلة والشهية اللطيفة”.

زخارف التصميم الألمانية أثناء استخدام أشكال غير متماثلة ومنحنية s و c ، غالبًا ما تعتمد على الزخارف الزهرية أو العضوية ، وتستخدم المزيد من التفاصيل. استكشف المهندسون المعماريون الألمان أيضًا بشكل مبتكر الاحتمالات المختلفة لتصميمات الغرف ، أو قطع الجدران أو إنشاء جدران منحنية ، وجعلوا تحديد مواقع المباني الجديدة عنصرًا مهمًا في التأثير ، كما رأينا في دير ميلك في جاكوب براندتور (1702-1736)

روكوكو الإنجليزية

كان توظيف إنجلترا للروكوكو ، والذي كان يُطلق عليه “النمط الفرنسي” ، أكثر تحفظًا ، حيث قوبلت تجاوزات الأسلوب بروتستانتية حزينة. نتيجة لذلك ، تم استخدام rocaille الذي قدمه النقش المهاجر Hubert-François Gravelot وصائغ الفضة Paul de Lamerie ، فقط كتفاصيل وزخارف عرضية. حوالي عام 1740 ، بدأ استخدام أسلوب الروكوكو في الأثاث البريطاني ، وعلى الأخص في تصميمات توماس شيبينديل. أصبح كتالوج جنتلمان وصانعي الخزائن (1754) ، الذي يوضح تصميمات الروكوكو ، معيارًا صناعيًا شائعًا.

كان لـ Rococo تأثير أكبر على الفنانين البريطانيين مثل William Hogarth و Thomas Gainsborough و Swiss Angelica Kauffman . في كتابه The Analysis of Beauty (1753) ، دعا هوغارث إلى استخدام خط السربنتين ، معتبراً إياه أكثر عضويًا ومثاليًا من الناحية الجمالية. درس Gainsborough لأول مرة مع Gravelot ، وهو طالب سابق في Boucher ، وقد أثرت فرشاته ولوحة ألوانه على صورة Gainsborough نحو سيولة الضوء والألوان. على الرغم من أن أنجليكا كوفمان مولودة في سويسرا ، فقد أمضت معظم حياتها في روما ولندن. من 1766 إلى 1781 عاشت في لندن حيث كان السير جوشوا رينولدز مؤثرًاأعجبت بشكل خاص بصورتها. واحدة من امرأتين فقط تم انتخابهما في الأكاديمية الملكية للفنون في لندن ، لعبت دورًا مهمًا في كل من تطوير أسلوب الروكوكو ، وبالتالي الكلاسيكية الجديدة .

التطورات اللاحقة – بعد روكوكو

في عام 1750 ، أرسلت مدام دي بومبادور ابن أخيها أبيل فرانسوا بواسون دي فانديير لدراسة التطورات في الفن الإيطالي وعلم الآثار. بعد عودته بحماس للفن الكلاسيكي ، تم تعيين Vandières مديرًا لمباني الملك حيث بدأ في الدعوة إلى نهج كلاسيكي جديد . كما أصبح ناقدًا فنيًا معروفًا ، وأدان أسلوب باوتشر الصغير ، أو “الأسلوب الصغير”. انتقد المفكرون البارزون في ذلك الوقت ، بما في ذلك الفيلسوف فولتير ، والناقد الفني ديدرو ، روكوكو باعتباره سطحيًا ومنحطًا. تسببت هذه الاتجاهات ، جنبًا إلى جنب مع الحماسة الثورية المتزايدة في فرنسا ، في خسارة روكوكو بحلول عام 1780.

أكدت الحركة الجديدة الكلاسيكية الجديدة ، بقيادة الفنان جاك لويس ديفيد ، على البطولة والفضيلة الأخلاقية. حتى أن طلاب الفنون في ديفيد غنوا الترنيمة الساخرة “فانلو ، بومبادور ، روكوكو” ، مستغلين الأسلوب ، وهو أحد فنانيها البارزين ، وراعيها الأكثر شهرة. ونتيجة لذلك ، بحلول عام 1836 ، تم استخدامه للإشارة إلى “الطراز القديم” ، وبحلول عام 1841 تم استخدامه للإشارة إلى الأعمال التي يُنظر إليها على أنها “مزخرفة أو مزخرفة بلا طعم”. استمرت الدلالات السلبية في ^{القرن العشرين} ، كما رأينا في وصف قاموس القرن 1902 “ومن ثم تم استخدام الروكوكو … للإشارة إلى أي شيء طنان ضعيف ولا طعم له في الفن أو الأدب.”

كان تصميم ورسم الروكوكو ينحرفان نحو مسارات متباينة ، حيث استمر تصميم الروكوكو ، على الرغم من الاتجاهات الجديدة في العاصمة ، في أن يحظى بشعبية في جميع أنحاء المقاطعات الفرنسية. في عشرينيات القرن التاسع عشر في ظل النظام الملكي المستعاد للملك لويس فيليب ، انتشر أسلوب إحياء يسمى “الروكوكو الثاني” وانتشر في بريطانيا وبافاريا. في بريطانيا ، أصبح الإحياء يُعرف باسم الروكوكو الفيكتوري واستمر حتى حوالي عام 1870 ، بينما أثر أيضًا على إحياء الروكوكو الأمريكي في الولايات المتحدة ، بقيادة جون هنري بيلتر. أُطلق على الطراز ، المستخدم على نطاق واسع في الفنادق الفخمة ، لقب “Le gout Ritz” في ^{القرن العشرين} . ومع ذلك ، في لوحة Rococo سقطت لصالحها ، باستثناء لوحات النوع من Chardin، الذي أشاد به ديدرو ، والذي استمر في التأثير وأحدث تأثيرًا ملحوظًا في وقت لاحق على بول سيزان وإدوارد مانيه وفنسنت فان جوخ .

أعاد إدموند وجول دي غونكور اكتشاف الرسام الروكوكو الرئيسي جان أونوريه Fragonard في فن القرن الثامن عشر ( 1865). أثر بعد ذلك على الانطباعيين ، وخاصة بيير أوغست رينوار وبيرث موريسو ، واستمر في التأثير على الفنانين المعاصرين مثل Yinka Shonibare و Kent Monkman و Lisa Yuskavage .

أعاد الأخوان دي جونكور اكتشافهم أيضًا ، وقد أثرت مواضيع Commedia dell’arte لواتو على بابلو بيكاسو وسيزان وهنري ماتيس ، بالإضافة إلى العديد من الشعراء مثل بول فيرلين وغيوم أبولينير ، والملحن أرنولد شوينبيرج ، ومصمم الرقصات جورج بالانشين.

لم يتم إعادة تقييم مصطلح روكوكو والفنانين المرتبطين به بشكل نقدي إلا في أواخر ^{القرن العشرين} ، عندما خلقت حركات فن البوب ​​وأعمال فنانين مثل داميان هيرست وكيهينده وايلي وجيف كونز سياقًا جديدًا لـ فن يعبر عن نفس العلاجات المزخرفة والأسلوبية والغريبة. كان لـ Rococo تأثير معاصر كما رأينا في Ai Weiwei’s Logos 2017 حيث كتب الناقد الفني روجر كاتلين ، “ما يشبه الروكوكو الهائلتصميم ورق الحائط باللونين الأبيض والأسود والذهبي هو في الواقع ترتيب للأصفاد ، والسلاسل ، وكاميرات المراقبة ، وطيور تويتر ، والألبكة المنمقة – حيوان أصبح في الصين ميم ضد الرقابة. ” ظهرت في أغنية Arcade Fire الناجحة “Rococo” (2010).